Louis y Auguste Lumière

Nos es arbitrario establecer el 28 de diciembre de 1895 como el día oficial del nacimiento del cine, aunque dicha afirmación no carece de polémica. Como tantas de las grandes invenciones del hombre, la paternidad del cine es eternamente disputada, sobre todo entre historiadores norteamericanos y franceses (en realidad entre un sector de historiadores norteamericanos y el resto del mundo).

Thomas Edison y William K. L. Dickson habían creado en 1890 el aparato cinemático conocido como kinetoscopio, y si bien el mismo tenía similitudes con el posterior cinematógrafo, difería en una cuestión esencial. El kinetoscopio era un aparato para ver figuras en movimiento a través de una caja, es decir era una máquina de movimiento para un consumo individual. Por ello es que la posterior invención de los hermanos Louis Lumière y Auguste Lumière, el cinematógrafo, en menor medida fue un avance técnico antes que un abrupto cambio ideológico de raíz. El cine nacía como espectáculo de masas, no era algo individual, era algo comunitario que unía a las personas frente una pantalla donde se proyectaban imágenes.

Justamente, la primera proyección pública del cinematógrafo se realizó el 28 de diciembre de 1895 en Grand Café, ubicado en el Boulevard des Capucines de Paris. Consistió en un programa de aproximadamente diez cortometrajes, iniciados por la vital “Salida de obreros de la fábrica Lumière” (“La Sortie de l'Usine Lumière à Lyon”). Pudiendo filmar a reyes o la alta burguesía, los Lumière decidieron iniciar el cine filmando a obreros, gente común terminando su día laboral. Si bien es probable que los Lumière no tuviesen conciencia de lo que estaban gestando ese día, en los primeros segundos de su exhibición inventaron el cine social. Y también crearon la comedia cinematográfica con “El Regador Regado” (“l'Arroseur arrosé”), desopilante historia de un jardinero que es empapado con una manguera, gracias a una broma que le juega un amigo. Pero de las filmaciones proyectadas en aquella primera exhibición, la que más escándalo provocó en la audiencia fue “La llegada del Tren” (“L'Arrivée d'un train à la Ciotat”), ante la cual la gente se vio sobresaltada por el miedo de que el tren que se acercaba en la pantalla terminase por atropellarlos.

"L'Arrivée d'un train à la Ciotat"

A modo de homenaje a aquel acto fundacional que dio origen al cine, me he propuesto realizar algo tan descabellado como un ranking de las mejores películas de todos los tiempos, año por año. Como todo ranking, este es un juego personal, subjetivo y definitivamente discutible, en el cual el primero en cuestionarlo soy yo mismo. El criterio de elección de las mismas es primariamente el gusto personal, pero teniendo en cuenta siempre la importancia que cada obra tuvo como legado a las generaciones futuras. Lo que no impidió, como era de esperar y querer, que se me hayan escapado no pocos placeres mmmuy personales. Este es mi recorrido personal por la historia del cine:

110 AÑOS DE CINE: TOP 111

1895) “La llegada del Tren a Ciotat” (“L'Arrivée d'un train à la Ciotat”, Francia) de Louis Lumière
1896) “Los Campos Elíseos” (“Champs-Élysées”, Francia) de Louis Lumière
Uno de los falsos preconceptos sobre los Lumière es el que dice que ellos filmaban lo que se les cruzaba, que en su espontaneidad no había puesta en escena. Como afirma Henri Langlois en el documental de Eric Rohmer sobre Louis Lumière (“Louis Lumière”, 1968), ello es simplemente una ilusión.
Claramente se lo puede evidenciar en este film de un minuto, donde un lugar histórico como los Campos Elíseos es mostrado desde una perspectiva humana, gracias a una cuidada puesta en escena.
1897) “Menuisiers” (“Champs-Élysées”, Francia) de Louis Lumière
1898) “Un homme de têtes” (Francia) de Georges Méliès
1899) “La Niña y su gato” (“Le Petite fille et son chat”, Francia) de Louis Lumière
1900) “L'homme orchestre” (Francia) de Georges Méliès
1901) “L’Homme à la tête en caoutchouc” (Francia) de Georges Méliès

"Le Voyage dans la lune"

1902) “Viaje a la Luna” (“Le Voyage dans la lune”, Francia) de Georges Méliès
Georges Méliès fue una de las personas que estando presente en la primera exhibición del cinematógrafo de los Lumière, vio su vida cambiada de inmediato. Sin dudarlo, ese mismo día fue a pedirles a los Lumière que le vendan un aparato. Estos se negaron, aludiendo que más allá del impacto inicial, el aparato no tenía futuro.
Pero Méliès se las ingenió para fabricar y comercializar su propio aparato proyector, al que llamó “kinetógrafo”, con el cual empezó a filmar sus films en 1896.
A diferencia de los Lumière, Méliès daba ordenes de cómo actuar a quienes participan de sus films, había actuación frente a cámara. Pero su paso revolucionario lo da por accidente: mientras estaba realizando una filmación en la Plaza de la ópera, su cámara tuvo un desperfecto y se le trabó la manivela. Luego de arreglar el inconveniente, siguió filmando. Al ver el resultado de la filmación, encontró que al interrumpirse la filmación y luego ser continuarla, se dio un efecto mágico de parecer que los objetos y personas se transformaron en otros. Accidentalmente descubrió el trucaje, el cuan usará hasta el cansancio en sus obras, para asombro de los espectadores.
En 1902 filma su obra cumbre, “Viaje a la Luna”, adaptación libre de la obra de Julio Verne, toda una superproducción para la época, que de inmediato se transformó en una de las obras más influyentes de la historia de la ciencia ficción.

1903) “El Monstruo” (“Le Monstre”, Francia) de Georges Méliès
1904) “Le Voyage à travers l'impossible” (Francia) de Georges Méliès
1905) “Le Tripot clandestin” (Francia) de Georges Méliès
1906) “Humorous Phases of Funny Faces” (EE.UU.) de John Stuart Blackton
Otro momento histórico: el inglés John Stuart Blackton realiza el primer film de animación.
1907) “L' Éclipse du soleil en pleine lune” (Francia) de Georges Méliès
1908) “El hotel eléctrico” (España)  de Segundo de Chomón
1909) “The Lonely Villa” (EE.UU.) de D.W. Griffith
1910) “Frankenstein” (EE.UU.) de J. Searle Dawley
Primera adaptación cinematográfica de la obra de Mary Shelley. Durante décadas se la consideró perdida, hasta que hace poco se descubrió una copia.
1911) “Little Nemo” (EE.UU.) de Winsor McCay y J. Stuart Blackton
1912) “Falling Leaves” (EE.UU.) de Alice Guy Blanché
1913) “Fantômas - À l'ombre de la guillotine” (Francia) de Louis Feuillade
1914) “Gertie El Dinosario” (Gertie the Dinosaur, EE.UU) de Winsor McCay

David W. Griffith

1915) “El Nacimiento de Una Nación” (“The Bird of a Nation”, EE.UU.) de D.W. Griffith

1916) “Intolerancia” (“Intolerance”, EE.UU.) de D.W. Griffith
Dijo Orson Welles sobre David W. Griffith: “nunca he odiado realmente a Hollywood, a no ser por el trato que dispensó a David W. Griffith. Ninguna ciudad, ninguna profesión ni forma de arte le deben tanto a un solo hombre”.
Si los Lumière crearon el cine y Méliès lo convirtió en un arte, el papel de Griffith no es menos importante: lo dotó de un lenguaje propio. Autodidacta trasgresor, obsesivo e ideológicamente contradictorio (“El Nacimiento de una Nación” es claramente una apología del racismo, visión que parece contrastar con exposiciones que hizo en otras de sus obras), Griffith revolucionó cine de forma definitiva, creando no sólo obras de una magnificencia abrumadora, sino a la vez siendo gestando las bases del lenguaje del cine, en épocas donde todavía se dudaba si este invento era realmente arte o atracción de circo.


1917) “El Inmigrante” (“"The Immigrant", EE.UU.) de Charles Chaplin
1918) “Vida de Perro” (“A Dog’s Life”, EE.UU.) de Charles Chaplin
1919) “Las Arañas – Parte 1” (“Die Spinnen, 1. Teil - Der Goldene See”, Alemania) de Fritz Lang
1920) “El Gabinete del Doctor Caligari” (“Das Kabinett des Doktor Caligari”, Alemania) de Robert Wiene
1921) “El Teatro” (“The Playhouse”, EE.UU.) de Búster Keaton
1922) “Nosferatu” (“Nosferatu, eine Symphonie des Grauens”, Alemania) de F.W. Murnau
1923) “Los Diez Mandamientos” (“The Ten Commandments”, EE.UU.) de Cecil B. DeMille
1924) “Entreacto” (“Entr'acte”, Francia) de René Clair
Si bien René Clair era militante del surrealismo, dirigió la primera y tal vez única película dadaísta de la historia. Fue proyectada una única vez como fue planeada, en el intervalo del ballet dadaísta Relâche en el Teatro de los Campos Elíseos.
1925) “El Acorazado Potemkin” (“Bronenosets Potyomkin”, Unión Soviética) de Sergei M. Eisenstein
Lúcido intelectual, Eisenstein generó con su teoría del montaje una revolución de la cual se siente sus efectos hasta el día de hoy. Sus films, impactantes desde el plano estético, ideológico y humano, fueron de los más estudiados por las generaciones futuras que se dedicaron al cine.
1926) “Fausto” de F.W. Murnau
1927) “Metrópolis” (Alemania) de Fritz Lang
1928) “La Pasión de Juana de Arco” (“La Passion de Jeanne d'Arc”, Francia) de Carl Theodor Dreyer
1929) “Un Perro Andaluz” (“Un chien andalou”, Francia) de Luis Buñuel
Luis Buñuel y a Salvador Dalí le clavan un puñal a la burguesía en el film surrealista por excelencia. Difícilmente se encuentre una escena tan cruda como la del corte del ojo.
1930) “A Propósito de Niza” (“À propos de Nice”, Francia) de Jean Vigo
1931) “M” (Alemania) de Fritz Lang
1932) “Freaks” (EE.UU) de Tod Browning
1933) “King Kong” (EE.UU) de Merian C. Cooper & Ernest B. Schoedsack
1934) “El Atalante” (“L'Atalante”, Francia) de Jean Vigo
1935) “El Triunfo de la Voluntad” (“Triumph des Willens”, Alemania) de Leni Riefenstahl
Leni Riefenstahl, en que problema me has metido. Cineasta oficial del régimen nazi, Riefenstahl contó con el apoyo total de Hitler para realizar sus films de propaganda. Ideológicamente deplorable, sin embargo sus obras tienen un impacto estético desbordante, único, genial. Fallecida hace poco, el tiempo ha intentado separar la ideología que defendía de su talento artístico. Tarea nada fácil.
1936) “Tiempos Modernos” (“Modern Times”, EE.UU) de Charles Chaplin
1937) “La Gran Ilusión” (“La Grande Illusion”, Francia) de Jean Renoir
1938) “El Muelle de las brumas” (“Le Quai des brumes”, Francia) de Marcel Carné

"La Règle du jeu"

1939) “La Regla del Juego” (“La Règle du jeu”, Francia) de Jean Renoir
No se puede amar poco a Jean Renoir. Se lo ama desmesuradamente (pregúntenle a la pandilla de la Nouvelle Vogue) o se lo ignora.
Este film tiene uno de los grandes comienzos de la historia del cine: André Jurieux está completamente enamorado de Christine, pero esta no le da bola. Entonces André decide emprender una gran hazaña para impactarla: cruza el Atlántico en un precario avión y es recibido en París como un heroe nacional. La multitud se avalancha para recibirlo, los medios de comunicación intentan sacarle alguna palabra, pero él sólo desea ver a su amada Christine... que no fue a verlo. Todos quieren escuchar al héroe, pero este no tiene nada que decirle a la multitud. No le importa. Sólo desea verla a Christine...
Jean Renoir fue un artista increíble, pero personalmente lo que más me atrae es cuan clara tenía su visión de la relación entre las personas. Esa escena deja en claro que las hazañas más grandes que pueda hacer un hombre no las hará por el dinero, la fama o el prestigio. Las grandes hazañas, las verdaderamente grandes, se hacen exclusivamente para impactar a una mujer, el resto es anecdótico. Gracias Jean.

1940) “El Gran Dictador” (EE.UU) de Charles Chaplin
1941) “El Ciudadano” (“Citizen Kane”, EE.UU) de Orson Welles
Se lo ha dicho millones de veces: “El Ciudadano” es la película más influyente e importante de la historia del cine. Orson Welles fue un rockstar, cuando el rock ni siquiera había nacido. Quebró el cine clásico, sentó las bases del cine moderno.
Como declarado fan de Orson Welles, me contengo para no convertir esto en una monografía de Welles, la cual prometo para futuro.
1942) “Casablanca” (EE.UU) de Michael Curtiz
1943) “La Sombra de una Duda” (“Shadow of a Doubt”, 1943) de Alfred Hitchcock
1944) “Laura” (EE.UU) de Otto Preminger
1945) “Roma, Ciudad Abierta” (“Roma, città aperta”, Italia) de Roberto Rossellini
Basado en un hecho real (el asesinato de un sacerdote por la Gestapo durante la ocupación nazi), “Roma, città aperta”, es la película fundacional de la vanguardia conocida como neorrealismo italiano. Filmada en una Roma aún en ruinas, Roberto Rossellini sacó al cine a la calle y nada volvió a ser lo mismo.
Como coguionista se encontraba un joven Federico Fellini.
1946) “Tuyo es mi Corazón” (“Notorious”, EE.UU.) de Alfred Hitchcock
1947) “La Dama de Shangai” (“The Lady from Shanghai”, EE.UU) de Orson Welles
1948) “La Soga” (“The Rope”, EE.UU) de Alfred Hitchcock
1949) “El Tercer Hombre” (“The Third Man”, Inglaterra) de Carol Reed
1950) “Los Olvidados” (México) de Luis Buñuel
Tremendo escándalo se armó en México cuando Buñuel estrenó esta película. Lejos del paisajismo folklórico del país, Buñuel mostró una cruda realidad social, que se evadía de ver. Repudiado en su momento, el tiempo terminó dándole la razón.
1951) “Diario de un cura rural” (“Journal d'un curé de campagne", Francia) de Robert Bresson
1952) “Umberto D.” (Italia) de Vittorio De Sica
1953) “Cuentos de Tokio” (“Tokyo monogatari”, Japón) de Yasujiro Ozu
1954) “La Strada” (Italia) de Federico Fellini
1955) “La Noche del Cazador” (“The Night of the Hunter”, EE.UU.) de Charles Laughton
1956) “Un condenado a muerte se escapa” (“Un condamné à mort s'est échappé ou Le vent souffle où il veut”, Francia) de Robert Bresson
1957) “La Casa del Angel” (Argentina) de Leopoldo Torre Nilsson
1958) “Sed de Mal” (“Touch of Evil”, EE.UU) de Orson Welles
1959) “Los 400 Golpes” (“Les Quatre cents coups”, 1959) de François Truffaut
Crítico mordaz y sin tapujos, ex niño problemático y delincuente juvenil, François Truffaut escribió las reflexiones más lúcidas que se recuerden sobre el cine. En 1954 publicó en la revista Cahiers du Cinema su manifiesto "Une certaine tendance du cinéma français", donde llamaba a la acción contra el cine francés del momento. Odiado de inmediato por los conservadores de la industria francesa, se convirtió en persona no deseada, al punto que se le negó la acreditación para el Festival de Cannes 1958. Pero un año después llegó al festival con su primer largometraje bajo el brazo, “Los 400 Golpes”, un film indudablemente autobiográfico que entregó al que sea tal vez el personaje más entrañable de la historia del cine francés, Antoine Doinel.

"À bout de soufflé"

1960) “Sin Aliento” (“À bout de soufflé”, Francia) de Jean-Luc Godard
Polemista profesional, intelectual tirabombas y cabrón inigualable, Jean-Luc Godard es, sino el más respetado, seguramente el cineasta más temido de la historia. Su primer largometraje, “Sin Aliento”, fue un llamado a la anarquía fílmica, a romper las estructuras, las convenciones y los géneros.
Godard mató al cine y lo volvió a inventar con esta película. Señaló Deleuze: "Aquí nace una raza de personajes encantadores, conmovedores, rozados sólo apenas por los acontecimientos en que se ven envueltos, aun por la traición o la muerte, y padecen y actúan acontecimientos oscuros que concuerdan tan mal como las porciones del espacio cualquiera que recorren".

1961) “Hace un Año en Marienbad” (“L'Année dernière à Marienbad”, Francia) de Alain Resnais
1962) “El Angel Exterminador” (México) de Luis Buñuel
1963) “8½” (Italia/Francia) de Federico Fellini
1964) “Banda Aparte” (“Bande à part”, Francia) de Jean-Luc Godard
1965) “Crónica de un Niño Solo” (Argentina) de Leonardo Favio
1966) “Persona” (Suecia) de Ingmar Bergman
1967) “Week End” (Francia) de Jean-Luc Godard
1968) “2001: Odisea del Espacio” (EE.UU) de Stanley Kubrick
1969) “Busco mi Destino” (“Easy Rider”, EE.UU) de Dennis Hopper
1970) “Más Allá del Valle de Muñecas” (“Beyond the Valley of the Dolls”, EE.UU.) de Russ Meyer
Nunca volveremos a leer con iguales ojos al crítico Roger Ebert luego de ver esta alocada aventura de sexo y rock’n roll que lo tuvo como guionista.
Hoy, desde su lugarcito del Cielo (¿o del Infierno?), Russ Meyer se ríe de la sociedad, rodeado de señoritas por demás pulposas.
1971) “La Naranja Mecánica” (“A Clockwork Orange”, Inglaterra) de Stanley Kubrick
1972) “El Padrino” (“The Godfather”, EE.UU.) de Francis Ford Coppola
1973) “El Exorcista” (“The Exorcist”, EE.UU.) de William Friedkin
1974) “El Padrino II” (“The Godfather II”, EE.UU.) de Francis Ford Coppola
1975) “Tiburón” (“Jaws”, EE.UU.) de Steven Spielberg
1976) “Taxi Driver” (EE.UU.) de Martin Scorsese

"Star Wars"

1977) “La Guerra de las Galaxias” (“Star Wars”, EE.UU) de George Lucas
George Lucas toma un poco del cine de aventuras de las seriales de antaño, de los clásicos del western  y del cine de ciencia ficción clase B, además de robarle alevosamente a Akira Kurosawa para, crear la saga intergaláctica por excelencia. El cine, pero sobre todo el negocio alrededor de él, no volverá a ser el mismo.

1978) “La Parte del León” (Argentina) de Adolfo Aristarain
1979) “Apocalypse Now” (EE.UU) de Francis Ford Coppola
1980) “Arrebato” (España) de Iván Zulueta
1981) “Cazadores del Arca Perdida” (“Raiders of the Lost Ark”, EE.UU) de Steven Spielberg
1982) “Vincent” (EE.UU) de Tim Burton
1983) “El Sur” (España/Francia) de Victor Erice
1984) “Stranger Than Paradise” (EE.UU) de Jim Jarmusch
1985) “El Club de los Cinco” (“The Breakfast Club”, EE.UU) de John Hughes
¿Lo digo o no lo digo? Lo digo: a su modo, John Hughes fue tan influyente como Orson Welles para un generación. El subgénero de las comedias de escuela secundaria se debe completamente a él.
1986) “Terciopelo Azul” (“Blue Velvet”, 1986) de David Lynch
1987) “Cuatro Aventuras de Reinette y Mirabelle” (“4 aventures de Reinette et Mirabelle”, Francia) de Eric Rohmer
1988) “Mi Vecino Totoro” (“Tonari no Totoro”, Japón) de Hayao Miyazaki
1989) “Crímenes y Pecados” (“Crimes and Misdemeanors”, EE.UU) de Woody Allen
1990) “El Joven Manos de Tijera” (“Edward Scissorhands”. EE.UU) de Tim Burton

"Slacker"

1991) “Slacker” (EE.UU) de Richard Linklater
Una cámara de 16mm, un grupo de amigos y  u$s 23,000 le bastaron a Richard Linklater para hacer una de las películas más influyentes que el cine independiente norteamericano entregó en los noventas.

1992) “Los Imperdonables” (“Unforgiven”, EE.UU) de Clint Eastwood
1993) “Hechizo del Tiempo” (“Groundhog Day”, EE.UU) de Harold Ramis
1994) “Tiempos Violentos” (“Pulp Fiction”, EE.UU) de Quentin Tarantino
1995) “Crumb” (EE.UU.) de Terry Zwigoff
1996) “Irma Vep” (Francia) de Olivier Assayas
1997) “El Sabor de la Cereza” (“Ta'm e guilass”, Irán/Francia) de Abbas Kiarostami
1998) “Los Amantes del Círculo Polar” (España) de Julio Medem
1999) “¿Quieres ser John Malkovich?” (“Being John Malkovich”, EE.UU.) de Spike Jonze
Obra de culto incluso antes de ser filmada, confirmó a Spike Jonze como el héroe generacional que ya encumbrábamos quienes encontrábamos en sus videoclips la irreverencia que el cine estaba necesitando.
2000) “Con Animo de Amar” (“Fa yeung nin wa”, Hong Kong/Francia/Tailandia) de Wong Kar Wai
Cada uno tendrá su opinión: en el 2000 terminó el siglo XX o empiezó el siglo XXI. Ya sea como la última gran obra de un siglo o la primera del otro, Wong Kar Wai nos regala los 98 más hermosos que el cine pueda dar.
2001) “El Camino de los Sueños” (“Mulholland Drive”, EE.UU./Francia) de David Lynch
Lo que nació como un piloto rechazado de una serie para TV nunca realizada, terminó convirtiéndose en la síntesis definitiva de la obra y obsesiones de David Lynch.

"The Wayward Cloud"

2002) “Oasis” (Corea del Sur), de Lee Chang-dong
2003) “Shara” (“Sharasojyu”, Japón) de Naomi Kawase
2004) “Notre Musique” (Francia/Suiza) de Jean-Luc Godard
2005) “The Wayward Cloud” (“Tian bian yi duo yun”, Taiwan/Francia) de Tsai-Ming Liang
Comedia romántica pseudopornográfica, con sandías de por medio. “Lo exótico ya no existe”, declaró Tsai Ming Liang. 110 años después de haber sido creado, el cine muestra que aún es joven y tiene todo un universo por explorar.