Definitivamente el placer puede ser tortuoso, cuando de tratar de abarcar lo inabarcable se trata. Más aún cuando el objeto de acercamiento es un evento como el BAFICI, un “festival de descubrimientos”, como designó su director artístico, Sergio Wolf.

Este inicial Top 20 -tan acotado que terminó siendo un Top 50- intenta ser una lista de recomendaciones de films que he visto y me han fascinado, que generan expectaticas previas importantes o que sugeriría no perderse a aquellos que siguen la carrera de un cineasta en particular. Inevitablemente esta lista de recomendaciones es subjetiva, personal y reducida (¡aunque no se note!). Todas las recomendaciones y comentarios sobre lo que vieron o van a ver, pueden dejarlos abajo, en el maravilloso sistema de comentarios.

¡Que disfruten las funciones!

1) "The Mourning Forest (Mogari no mori)" (Japón), de Naomi Kawase

El cine de Naomi Kawase carece de distancias, se siente en carne viva. Ya sea en sus obras ficcionales (como la extraordinaria “Shara”) como en sus obras “documentales”, sus películas son el registro minucioso de la existencia y la búsqueda de la identidad, pintados con retazos de emocionalidad pura.
En “The Mourning Forest”, ganadora del Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes, dos personas marcadas por trágicas pérdidas se hunden en las profundidades de un bosque, en busca de algo inexplicable y oculto. En la soledad de la naturaleza, sus preguntas existenciales empezaran a florecer.

2)“Paranoid Park” (USA) y “Mala Noche” (USA) de Gus Van Sant

Realizador de estrambótica carrera (la suya incluye desde joyas underground a films convencionales para Hollywood, pasando por una remake de “Psycho” y hasta algún videoclip para el grupo pop Hanson), Gus Van Sant parece haber encontrado finalmente el equilibrio y la perfecta sintonía de su estilo a partir de la denominada “Trilogía de la Muerte” –“Gerry” (2002), “Elephant” (2003), “Last Days” (2005)-. Despojado de todo artificio, su búsqueda de lo esencial de la existencia sigue latente en “Paranoid Park”, obra con que la fue premiado en la última edición del Festival de Cannes y que lo confirma como uno de los más importantes realizadores del cine norteamericano actual.

Además en la sección Rescates se exhibe “Mala Noche” (1985), obra iniciática y borrador temprano tanto de la primera etapa de Gus Van Sant como del movimiento denominado new queer cinema. Su rescate tardío pero sumamente bienvenido, significa saldar una deuda pendiente con la historia del cine independiente norteamericano.

Y finalmente, para completistas de Gus Van Sant, se exhibe el bello corto “First Kiss” como parte del film colectivo “Chacun son Cinema”.

3) “En la Ciudad de Sylvia” y “Unas fotos en la ciudad de Sylvia” de José Luis Guerin

Todo un evento el regreso de José Luis Guerin a la ficción, luego del gran documental “En Construcción” (2001) y a diez años de la fundamental “Tren de Sombras” (1997). Obra de experimentación, el film surgió “del deseo de filmar un rostro y un paisaje”, según expresó su director. En el mismo, un hombre vuelve a la ciudad de Estrasburgo, para buscar a la chica de la que se enamoró locamente cuatro años atrás, marcándolo a fuego en la memoria.
Pero antes de “En la Ciudad de Sylvia”, Guerín trabajó en una serie de apuntes a base de retratos, fotos fijas, localización de exteriores. Con todo ello creó “Unas fotos en la ciudad de Sylvia”, que también será exhibida en el BAFICI.
Así mismo el festival contará con la presencia del propio Guerín, quien presentará su libro “Algunos Paseos por la Ciudad de Sylvia. Un Cuaderno de Notas” (el jueves 10 de abril a las 19hs en el Abasto) y tendrá un diálogo público llamado “Ciudades, Rostros, Retratos” (domingo 13 de abril, 16hs, en el Abasto)

El tráiler “En la Ciudad de Silvia”, de una sencillez impecable:

4)“Le voyage du ballon rouge” (Francia) de Hou Hsiao-hsien

El gran maestro taiwanés Hou Hsiao-hsien -realizador de joyas como “A City of Sadness” (1989) o “Millennium Mambo” (2001)- debuta en Occidente con una remake del megaclásico ¿infantil? “El Globo Rojo” (1956).
Ahora el niño y su globo perseguidor no están solos, su mundo es completado por una niñera oriental a cargo de su cuidado y por la madre superada por la vida (la gran Juliette Binoche, la más internacional de las actrices actuales).
Mundos supuestamente distintos (niñez/adultez, Oriente/Occidente) que se hacen uno solo en manos de un artista siempre en busca de la universalidad de los sentimientos.

5) “Control” (Inglaterra) de Anton Corbijn y “Joy Division” (Inglaterra) de Grant Gee

A casi 30 años de su muerte, la figura de Ian Curtis y la leyenda de su grupo Joy Division no dejan de acrecentarse año a año, al punto que hoy por hoy es difícil encontrar alguna nueva banda en Inglaterra que no declare algún nivel de devoción por el gran grupo de Manchester.

A nivel cinematográfico el mito mancuniano ya fue retratado de forma brillante por Michael Winterbottom en “24 Hour Party People” (2002), quien tuvo la inteligente idea de desapegarse de la verdad histórica estricta, buceando esencialmente en la fuente mítica de un momento oscuro pero idealizado.

“Control”, debut en largometraje del respetado fotógrafo y realizador de videoclips Anton Corbijn, intenta ahondar en la mente de Ian Curtis, personaje único e irrepetible, cuyo destino trágico parecía estar anticipado en sus letras, mordaces y crudas.

Además, como perfecto complemento de “Control”, se presentará el documental “Joy Division”, donde el director Grant Gee (responsable del oscuro film sobre Radiohead “Meeting People is Easy”) realiza un estudio pormenorizado de la banda y el contexto sociocultural de su desarrollo.

6) “Sukiyaki Western Django” (Japón) de Takashi Miike

El cine de Takashi Miike desconoce de mesuras. Cada film es un tour de force con origen desconocido –nunca sabremos de antemano si estamos ante alguna de sus películas buenas o si estaremos ante algunas sus insufribles malas películas- y destino aún más incierto. Sin embargo, “Sukiyaki Western Django” - uno de los cuatro largometrajes que realizó en 2007-, tiene todos los elementos del buen Miike: historia delirante al extremo - remake, con canción y todo, del clásico spaghetti western “Django”, protagonizado por Franco Nero-, desborde visual a pantalla completa, incorrección total y la sensación de que todo es antes que nada un gran deleite para los amigotes que participan de la película. Justamente Quentin Tarantino, amigote y fan declarado, se la pasa de lo lindo haciendo un pequeño papel.

7) “Chacun son cinéma”, film colectivo dirigido por David Lynch, Wong Kar Wai, Abbas Kiarostami, Takeshi Kitano, Tsai Ming Liang, Hou Hsiao-Hsien, Gus Van Sant, Lars Von Trier, Olivier Assayas, los hermanos Coen, Roman Polanski, Aki Kaurismäki, los hermanos Dardenne y otros.

Sólo el Festival de Cannes pudo hacerlo: 33 de los más reconocidos cineastas del mundo realizaron un film colectivo donde cada uno presenta se percepción del visionado del cine, a modo a festejo por los 60 años del festival. El resultado es obviamente desparejo, con momentos de humor sutil (Takeshi Kitano) y no tanto (Lar Van Trier), con lugar para el homenaje emotivo (Elia Suleiman), la demagogia (Wim Wenders), la poesía pura (Wong Kar Wai) y la torpeza (el siempre sobreestimado Alejandro González Iñárritu) y muchos etc. Pero también hay lugar para el homenaje más sincero imaginable, como el que ofrecen a Robert Bresson los hermanos Dardenne en su segmento "Dans l'Obscurité", pieza tan bella y contundente que justifica la película toda.

8)  “El cielo, la tierra y la lluvia” (Chile/Alemania/Francia) de José Luis Torres Leiva

Si la renovación del cine chileno de los últimos, producto de obras de jóvenes realizadores como Sebastián Lelio (“La Sagrada Familia”), Matías Bize (“En la Cama”) o Alicia Scherson (“Play”) buscaba su consolidación con la aparición de un cineasta que pudiese ser señalado definitivamente como un autor, son comprensibles las expectativas generadas por el largometraje debut de José Luis Torres Leiva. Es que en sus cortometrajes previos -especialmente en “Obreras saliendo de la fábrica” (2005)- se evidenciaba un registro completamente personal y diferenciador, además de una enorme capacidad para capturar la belleza de los momentos.
Realizada durante cinco años, “El Cielo, La Tierra y la Lluvia” viene de recibir los elogios más desbordantes (en la muy recomendable revista chilena MABUSE la han llamado “una de las películas más bellezas realizada en Latinoamérica en los últimos 20 años”) y de alzarse de los premios principales en el Festival de Rotterdam y el FICCO de México.

9) “Morceaux de conversations avec Jean-Luc Godard” (Francia) de Alain Fleischer

Genio y figura, personaje y personalidad, Jean-Luc Godard es el mayor polemista de la historia del cine. Registro íntimo producto de la impactante retrospectiva integral “Voyage(s) en Utopie, JLG, 1946-2006” que le dedicó el Centre Pompidou, “Morceaux de conversations avec Jean-Luc Godard“ consta de una serie de entrevistas donde el gran Jean-Luc debate sobre historia, política, el cine, las imágenes y el tiempo. Sus historia(s) del cine en carne viva.

10) “Stellet licht/Luz silenciosa” (México / Francia / Holanda) de Carlos  Reygadas

Cineasta de alto riesgo, el mexicano viene de realizar dos largometrajes -“Japón”(2002) y “Batalla en el Cielo” (2005)- de los que es imposible mantenerse indiferente. Así que con semejantes antecedentes, sumamente bienvenido es el hecho que no ha bajado la apuesta, sino que al contrario la ha aumentado. Es más, lo suyo tiene bastante de suicida: realizó “Luz Silenciosa”, remake del megaclásico espiritual “Ordet” (1955) de Carl T. Dreyer.

Reygadas (quien se llevó el premio del Jurado por este film en la última edición del Festival de Cannes) estará presente en el BAFICI, donde además será galardonado por el FIPRESCI con el premio a la mejor película latinoamericano del último año.

11) “Lynch” (Estados Unidos) de  blackANDwhite

Quienes sospechan que los porteños somos personas raras, tienen un argumento más para confirmarlo el comprobar que “INLAND EMPIRE” de David Lynch fue un éxito comercial en su estreno en Buenos Aires. Por eso, seguramente los seguidores del más particular de los cineastas norteamericanos tomarán como obligatorio el visionado de “Lynch”, film documental que se plantea como un acercamiento al universo único del gran David a partir del detrás de la escena de la realización de “INLAND EMPIRE”.

Pero en Lynch, nada puede ser “normal”: el realizador de este documental -quien compartió dos años junto a Lynch registrando el material- ha decidido guarda en secreto su identidad, haciéndose llamar simplemente blackANDwhite, no haciendo apariciones públicas y tan sólo siendo fotografiado con su rostro tapado.

Sin dudarlo: indispensable para todo lyncheano inicial o avanzado.

12) “Val Lewton: The Man in the Shadow” (USA), de Kent Jones.

A los cultores de la Teoría de los Autores se nos queman los papeles: Val Lewton (1904-1951) no dirigió ninguna película, pero sin embargo fue el autor de varios films esenciales del género de terror. En este documental, el crítico Kent Jones repasa su vida y obra extrayendo mucho material de archivo muy poco visto, mientras que fans confesos -como Roger Corman y Kiyoshi Kurosawa- declaran la influencia que tuvo en ellos la obra de Lewton. Para completar la fiesta, Martin Scorsese (quien alguna vez dijo que “Cat People” era a su manera tan importante como “Citizen Kane”) presta su voz para la narración, además de oficiar de productor.

13)  “Lou Reed's Berlin” (Estados Unidos) de Julian Schnabel 

En la cumbre de su carrera artística, Lou Reed asombró a todos al girar rotundamente el timón y lanzar en 1973 el disco conceptual “Berlin”. Viniendo de un éxito como “Transformer” (1972), el álbum fue duramente criticado y fue un enorme fracaso comercial. Sin embargo el tiempo lo convirtió en un disco seminal y las reinvindicaciones sobraron (por ejemplo, la revista Rolling Stone que le había dado una reseña muy pobre, luego lo eligió como uno de los mejores discos de todos los tiempos).

Pero tuvieron que pasar más de tres décadas para que en 2006 Lou Reed traspasase al vivo el disco, con una serie de presentaciones alrededor del mundo que tuvieron justamente a la capital alemana como punto culmine.

“Lou Reed's Berlin” de Julian Schnabel registra las presentaciones del disco en sus cinco funciones en el St. Ann's Warehouse de Brooklyn, New York. Con una banda increíble, Lou Reed estuvo además acompañado por la Brooklyn Youth Chorus y tuvo como invitado a Antony (de Antony and the Johnsons) para interpretar una emotiva versión de “Candy Says” de The Velvet Underground.